Luz Rasante

Hierática, escultura medieval

Escrito por Iván el Jueves, 12 de diciembre del 2013 a las 19:01

Cristo de Carrizo. Hierática

En estos tiempos en los que están tan en boga los sistemas de impresión  en tres dimensiones y la reproducción de obras de arte gracias al empleo de las nuevas tecnologías, nos sorprende un interesante proyecto surgido del conocimiento de las técnicas artísticas tradicionales y su puesta al día.

Hierática es un taller que se acerca a las obras que se realizaron en España durante la Alta Edad Media, y que se centra en la escultura de la Virgen con Niño y a la de Cristo en la Cruz. Su interés por estas obras les ha llevado en primer lugar a su estudio y posteriormente a crear reproducciones de aquellas tallas de Vírgenes y Cristos románicos y góticos de los siglos XI-XIII. Detrás de este curioso proyecto que reinterpreta  piezas medievales se encuentra María José Garrigós, una restauradora conocedora de las técnicas y procedimientos artísticos tradicionales empleados a lo largo de la historia.

Las esculturas que elaboran -tallas de madera policromadas y tallas en hueso, material que sustituye hoy en día al marfil- sorprenden por su calidad, imitando incluso el aspecto que los avatares sufridos y la pátina del tiempo ha dejado en la superficie de estas valiosas piezas.

Os recomendamos dar una vuelta por su web.

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Sin (muchos) comentarios. El sólido capaz

Escrito por Iván el Sábado, 19 de enero del 2013 a las 12:41

Hospedería de Anaya. Salamanca.

La Hospedería de Anaya en Salamanca es un edificio de principios del siglo XVIII, en su pequeño claustro encontramos un curioso detalle que nos habla del proceso de construcción que seguían los canteros de la época. Dos de las crujías del claustro se encuentran terminadas, mientras que en las dos restantes la decoración escultórica tallada no se terminó, por eso nos muestra el sólido capaz, bloque de piedra con sus volúmenes puros, esperando ser tallado algún día. En la foto que os traemos hoy se ve la talla terminada en la mitad derecha y la que muestra el sólido capaz a la izquierda.

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Moviendo retablos

Escrito por Iván el Miércoles, 9 de enero del 2013 a las 20:34

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Los retablos, al igual que pasa con la pintura mural, están concebidos para ocupar un espacio arquitectónico concreto a cuyas dimensiones y formas se adaptan y en la mayoría de ocasiones complementan y enriquecen. El desmontaje de un retablo, aunque sea durante su restauración, es un proceso que en muchas veces causa nuevos problemas a una estructura compleja que por norma general suele estar estabilizada. Hacerlo de manera total y sistemática tan solo está justificado cuando el retablo presenta problemas estructurales que hacen temer por su estabilidad (y que requieren la colocación de una nueva estructura portante, por ejemplo). Normalmente muchos de los problemas estructurales y defectos en los ensamblajes pueden solucionarse con métodos menos agresivos o simplemente desmontando parcialmente  alguno de sus elementos.

Los retablos se inscriben dentro de la historia, la estética y la evolución del edificio, de sus sucesivas ampliaciones y reformas en diferentes estilos. Por eso no es nada extraño que un retablo renacentista o barroco oculte un ábside románico o unas pinturas murales anteriores que en ocasiones ven la luz con motivo de una restauración. El problema comienza cuando tras ese descubrimiento se considera que las pinturas o el ábside que permanecían ocultos son mejores, o más dignos de ser conservados que el retablo, entonces surge un problema: ¿qué hacer con él?

A modo de ejemplo vamos a ver dos casos bien distintos en los que un retablo “ocultaba” una obra anterior y lo que se hizo en cada uno de ellos…

En el presbiterio de la catedral de Santo Domingo de la Calzada se conservaba la última obra que realizó el escultor renacentista Damian Forment antes de su muerte en 1540; un retablo espectacular trazado para adaptarse con precisión y armonía al espacio del ábside y de sus ventanales medievales. En el año 1996 con motivo de su restauración se decide desarticular el retablo, algo que al parecer no era necesario. Una vez finalizada la restauración se decide que el retablo no volverá a ocupar su ubicación original en la capilla mayor para poder dejar a la vista el espacio de gran riqueza arquitectónica de época medieval, hasta entonces oculto.

Los artífices de la restauración consideraron que el retablo era secundario, que estorbaba y que era mejor mostrar el edificio desnudo siguiendo un criterio (según ellos) “estético y litúrgico”. Se reubica entonces el retablo en el lado norte de la nave del crucero, metido con calzador, tras realizar algunas obras y una subestructura para acomodarlo a su nuevo espacio. Sin duda esta intervención representa un ejemplo de lo que no se debe de hacer en estos casos y así lo recoge Pedro Navascués en este magnífico artículo que no debéis dejar de leer para conocer la historia con detalle.

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Sin (muchos) comentarios. Victoria de Samotracia

Escrito por Iván el Domingo, 10 de junio del 2012 a las 20:38

Durante la época en la que preparaba mi examen de ingreso a la escuela de restauración, practicaba dibujando la Victoria de Samotracia. A medida que dibujaba la escultura, una y otra vez, y aunque fuera desde diferentes puntos de vista, fui aprendiendo de una manera involuntaria sus medidas, proporciones y formas. Por eso mi profesor decidió embalar a la Victoria en papel y atarla con sogas como si se tratase de una escultura de Christo,  para tener un nuevo modelo que dibujar. Hoy he recordado esta historia al ver esta fotografía de 1939, tomada durante la II guerra mundial, que está sacada del sitio installator.tumblr.com en el que podéis encontrar cantidad de curiosas fotografías relacionadas con el mundo del transporte, embalaje y montaje de obras de arte.

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¿Discóbolo o gladiador?

Escrito por Iván el Miércoles, 14 de marzo del 2012 a las 20:30

Seguro que a muchos la escultura que ilustra esta entrada os suena, aunque no la hayáis visto nunca o no hayáis oído hablar de su autor. Se trata de una obra del escultor francés Pierre-Étienne Monnot (1657-1733) que se conserva en el Museo Capitolino de Roma.

Para representar a este gladiador derrotado, Monnot reaprovechó el torso de una copia romana del famoso Discóbolo de Mirón. Monott trabajó durante muchos años en Roma y una de sus principales actividades fue la de restaurar fragmentos de antigüedades clásicas. Está claro que el concepto de restauración de aquel momento dista mucho del actual. En el siglo XVIII la libertad del artista era más que considerable y en su mano estaba reinterpretar los fragmentos incluso para cambiar el motivo representado. Monnot fue un artista destacado en la Roma del momento y a él se deben entre otras dos de las colosales esculturas que ocupan los nichos de Borromini en el interior de la Basílica de San Juan de Letrán.

Monnott además tuvo discípulos restauradores, uno de sus alumnos, Bartolomeo Cavaceppi (1716-1799), un escultor dedicado a la reproducción de esculturas clásicas y cuyas esculturas se confundieron en la época con antigüedades. Fue además conocido por su labor como restaurador, obtenía multitud de encargos por parte de viajeros extranjeros que se encontraban de paso en Roma, en particular de coleccionistas británicos,  su taller se hizo célebre entre los coleccionistas más prestigiosos del continente europeo, incluso llegó a ser amigo de mítico historiador Winckelmann,  al que acompañó en algunos de sus viajes.

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“Lo sagrado hecho real” en Valladolid

Escrito por Iván el Sábado, 21 de agosto del 2010 a las 18:36

Tras un largo letargo veraniego Luz rasante comienza a desperezarse, vamos allá…

Durante estos días, y hasta el 30 de septiembre se puede visitar en el Museo Colegio de San Gregorio de Valladolid la exposición Lo sagrado hecho real. Pintura y escultura española 1600-1700. Esta muestra, dedicada a los pintores y escultores barrocos españoles, viene precedida por un importante éxito en Estados Unidos y Gran Bretaña,  ya que se ha podido ver en la National Gallery de Londres y la National Gallery of Art de Washington.

Aunque en su último periplo la exposición ha perdido fuerza y está un tanto mermada (basta comparar el catálogo de obras de Londres con las de Valladolid)  bien vale una visita; muchas obras impresionantes y un buen montaje.

Además en la última de las salas, en las que se muestran libros y material didáctico, se proyectan dos videos: uno dedicado a los “pasos” de Semana Santa que custodia el museo y otro (el que os ofrecemos a continuación) sobre las técnicas con las que se elaboraban estas obras maestras. En video, realizado por la Fundación Getty, se siguen las técnicas tradicionales de talla, dorado, estofado y pintura. Aunque la locución está en inglés merece la pena… por cierto ¡que fáciles parecen las cosas cuando se sabe hacerlas!

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El brazo perdido de Laocoonte

Escrito por Iván el Miércoles, 12 de mayo del 2010 a las 19:23

Cuenta la historia, en la que mito y realidad se funden, a base de ser repetida, que en una mañana del frío invierno de 1506, en un viñedo propiedad de Felice de Fredis situado en la colina del Esquilino de Roma, sobre lo que en época antigua había sido el palacio de Tito y anteriormente la Domus Aurea de Nerón, apareció lo que parecía una escultura de época clásica. La noticia corrió por Roma y llegó hasta oídos del papa Julio II que rápidamente mandó allí, para valorar el descubrimiento, a dos de sus mejores artistas: Sangallo Miguel Ángel.

Cuando Sangallo y Buonarroti llegaron a lugar no podían creer lo que veían, al contemplar aquella maravillosa pieza de  mármol cubierta de tierra sucia, el arquitecto Giuliano da Sangallo exclamó: “¡Este es el Laocoonte que mencionaba Plinio!”. Efectivamente se trataba de la escultura que el escritor romano vio en el palacio del emperador Tito y de la que decía en su Historia Natural “debe ser situada por delante de todas, no sólo del arte de la estatuaria sino también del de la pintura. Fue esculpida en un solo bloque de mármol por los excelentes artistas de Rodas Agesandro, Polidoro y Atenodoro y representa a Laocoonte, sus hijos y las serpientes admirablemente enroscadas”. Los artistas impresionados por aquella potente escultura recomendaron al Papa que la comprara. Aunque la obra no está realizada en un solo bloque, tal y como aseguraba Plinio el Viejo, nadie dudó de que se trataba de la legendaria escultura.

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El retablo de San Benito de Valladolid

Escrito por Iván el Miércoles, 9 de diciembre del 2009 a las 21:43

Primer cuerpo del retablo de San Benito en el nuevo montaje. Foto: El Norte de Castilla

Hace unos meses abrió de nuevo sus puertas en Valladolid, tras más de nueve años de reformas, el museo anteriormente conocido como Nacional de Escultura, y que ahora han rebautizado como Colegio de San Gregorio. El museo expone en sus nuevas salas, antiguas piezas de una belleza sobrecogedora: basta con citar la Magdalena penitente de Juan de Mena o el Santo Entierro de Juan de Juni… Pero sin duda una de las estrellas del museo es el retablo de la iglesia de San Benito de Alonso Berruguete, y su nuevo montaje museográfico. Los que conocieron el museo de escultura antes de su reforma recordarán sus viejas salas de suelos crepitantes y paredes recubiertas de terciopelo, pero llenas de encanto, allí se exponía el desmembrado retablo que  ideó y realizó el escultor castellano entre 1527 y 1532.

Según la información que podemos encontrar en la también renovada página web del museo, el retablo mayor de San Benito el Real “es la expresión de una decisión arriesgada en favor de soluciones que rompían con la tradición, con unas novedades transmutadas de los centros europeos de vanguardia, sin necesidad de intermediarios. El encargo a Alonso Berruguete, después de su regreso de Italia, lugar de peregrinación y de intercambio de artistas de todo el continente, pone en evidencia el interés de la comunidad benedictina de Valladolid por situarse en la órbita de los patrones renacentistas italianos. Las soluciones se hacen presentes en el desarrollo de la misma máquina, desde la originalidad quebrada de la planta monumental, al gigantesco remate avenerado.

Reconstrucción del retablo, con los módulos que se exponen en el actual museo. Foto: MUseo Colegio de San Gregorio

Las peculiaridades formales y estilísticas de Berruguete le confieren un carácter de especial expresión personal en la disciplina escultórica, pero también pictórica según se puede contemplar en este mismo retablo, heredera del dramatismo medieval pero sumando las pautas estéticas acuñadas por el feliz redescubrimiento del mundo clásico. Esta combinación genial de vocabulario, que ya Berruguete había experimentado en su obra temprana de la Mejorada de Olmedo, y que se puede ejemplificar en la incorporación de ninfas y amorcillos al contenido ornamental del banco, se ahonda en el concepto general del gran conjunto de San Benito.

El diseño programático de la narración propuesta se articulará con la utilización de esculturas de bulto, relieves y pinturas, imbricadas en una estructura arquitectónica de llamativa presencia en el interior de un templo de características góticas, con naves elevadas y espaciosas, que se transformaba en renacentista por la propia acción del retablo. El estudio formal y la revisión iconográfica han proporcionado, en los últimos años, nuevas pautas para una lectura en clave que tiene en Italia su punto de partida, con la reinterpretación genial de Berruguete.

Los modelos empleados, tanto en la arquitectura como en el desarrollo escultórico y ornamental, remiten a la estancia de Berruguete en contacto con el mundo italiano de la Antigüedad, en perfecta simbiosis con la aportación de los grandes maestros con quienes convivió. La planta y el alzado del retablo hace mucho tiempo que se pusieron en relación con el Belvedere bramantesco, pero los estrechos vínculos con la cultura y las fuentes del momento todavía pueden perfilarse con mayor precisión. Los recuerdos de la Domus Aurea, a la hora de proponer modelos para el desarrollo de la gigantesca venera central, forman parte del conocimiento del vocabulario del pasado con el que el maestro estuvo documentalmente familiarizado. (Leer mas …)

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Revista Restauro. Conservación y restauración

Escrito por Iván el Domingo, 10 de mayo del 2009 a las 17:30

Ya se encuentra disponible el tercer número de la revista Restauro, tras ofrecernos de manera libre los números 1 y 2, colgarán en su página web un trabajo de cada nueva publicación. En este caso un interesante artículo sobre La restauración de los vaciados de yeso adquiridos por Velázquez en su segundo viaje a Italia.

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Sin (muchos) comentarios. Agua en Castilla

Escrito por Iván el Viernes, 10 de abril del 2009 a las 16:26

Foto Chema Concellón. http://www.flickr.com/photos/concellon/

En estos días de Semana Santa es posible ver un espectáculo único: piezas cumbres de la imaginería manierista y barroca desfilando por las calles en procesión. En Valladolid, poder contemplar los “pasos” monumentales de Gregorio Fernández, en movimiento, constituye un lujo ya que fueron concebidos para verse así, de una manera teatral y con puntos de vista cambiantes.

Algunos de estos pasos son propiedad de las cofradías, pero otros descansan durante el año en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio (antes Nacional de Escultura) que los presta a las cofradías y que vela por su correcta conservación. El problema surge cuando se vislumbran nubes en el horizonte y amenaza lluvia. Entonces la prudencia de los conservadores del museo choca con la devoción del pueblo y los intereses turísticos.

Si la lluvia sorprende a las tallas en su recorrido la única medida que se puede adoptar es taparlas con un plástico…lo mismo que se hacía en los años 50 tal y como  muestra la película Fuego en Castilla de José Val del Omar.

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¿Qué es luz rasante?

La luz rasante es un sencillo método de examen para el análisis de las obras de arte. Es tan simple como situar un foco de luz de manera que ilumine la obra desde un ángulo lateral casi en paralelo con su superficie. Gracias a la luz rasante es posible apreciar detalles de la pieza que a simple vista pasaban desapercibidos. Algo parecido es lo que propone este blog. Poner de relieve y analizar de una forma sencilla temas relacionados con el arte el patrimonio, su conservación y su restauración.