En estos días ha trascendido la noticia de la polémica restauración de la tabla de Leonardo La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana en los talleres de restauración del museo del Louvre. Según parece algunos expertos han denunciado que la limpieza podría borrar de los rostros de la Virgen y el Niño el sfumato leonardesco y que proporcionará a la obra unos brillos que nunca tuvo.

A raíz de esta noticia han surgido otras en las que se recuerda lo sucedido en el Prado con El caballero de la mano en el pecho del Greco en 1996, una limpieza que supuso un cambio profundo en la imagen que todos teníamos de la obra. La restauración tuvo sus defensores y sus detractores y el asunto acabó saltando al mundo de la política con una gran repercusión en la prensa.

En 2010 el director de cine Emiliano Cano desempolvó la historia de la restauración del caballero y realizó un interesante documental sobre el tema: Fondo para un caballero, que os recomiendo ver en su página en la que además ha colgado abundante documentación sobre el documental y la historia del cuadro.

Como siempre, el debate está abierto…

Victoria Vivancos es profesora especializada en restauración de pintura de caballete y retablos policromados en la Universidad Politécnica de Valencia. En sus clases han utilizado una foto de un andamio de la India, que publicamos hace unos meses en Luz rasante, para debatir sobre ella.

Fruto de estas reflexiones es el interesante comentario de una de sus alumnas, Cristina Marcos, en el que se trata sobre algunos de los aspectos que rodean el mundo de la restauración y que están presentes en la foto. Muchas gracias a Cristina y a Victoria por la aportación.

“El título y la fotografía lo dicen todo. Hoy en día, en nuestro país, pondríamos el grito en el cielo si alguien nos propusiese trabajar en un andamio sin las medidas de seguridad adecuadas o necesarias. Pero, ¿qué es lo necesario? Hace 50 años, 100 años, el nivel de exigencia era otro. Entonces sí subían a andamios de madera apuntalados en la pared, sin barras de seguridad, ni arneses.

La fotografía a la que se refi ere Fernando en su comentario nos lo demuestra. El conocimiento y los avances técnicos hacen que seamos más rigurosos, más analíticos, más conscientes. También el tener más cosas hace que queramos más cosas. Qué les vamos a decir a estos trabajadores indios que están subidos en un andamio de cañas, sin ninguna medida de seguridad. ¿Que compren arneses? ¿Con qué dinero? Son sus vidas las que ponen en peligro cada día al subir al andamio, y también su decisión la de hacerlo o no. Luego ya está el tema del contratante, y de que éste debería cuidar de sus trabajadores y proporcionarles medidas de seguridad. Pero además está el miedo.
Quizá los trabajadores piensan que si se negasen a trabajar en determinadas condiciones, podrían perder el puesto de trabajo. Hablamos de otro país, y de otra cultura, y puede que las cosas no funcionen como aquí. Y de todos modos, no quiero meterme en “política”. Desde luego, lo que tengo claro, es que yo exigiría siempre un mínimo de seguridad.

El otro gran tema que se me plantea al ver esta fotografía es el de las restauraciones adecuadas e inadecuadas. Estamos un poco con lo mismo. Hace 100 años, hace 50, incluso menos, pongamos 25 años, los medios no eran los mismos, las técnicas conocidas, los productos, la tecnología y los avances científi cos, evidentemente, tampoco eran los mismos. La metodología, la investigación en el campo, el criterio de mínima intervención que se sostiene actualmente. Aquí, en España, se realizaron multitud de procesos de “restauración” que lejos de ser favorables para su conservación, han terminado por resultar perjudiciales para las obras de arte. ¿Qué ocurre cuando hoy día, en países como la India, se acometen procesos de restauración con pocos medios, como el que estamos viendo en la fotografía? Nos encontramos ante el siguiente dilema: ¿Qué es mejor? ¿Restaurar como se pueda? ¿O no restaurar?

Pienso que gran parte de los problemas que tienen las obras de arte hoy día, han sido causados por el hombre. ¿Qué son los tan numerosos repintes sino intervenciones de “restauración” desafortunadas? ¿Los numerosos parches mal colocados que encontramos en pintura sobre lienzo, que casi siempre están causando tensiones a la obra? Arranques de pintura mural. Limpiezas exageradas. Tablas agrietadas a causa de los embarrotados colocados en su reverso.

Podría seguir. Qué hacer cuando faltan medios. ¿Restauramos con lo que tenemos y con lo que podemos? ¿No restauramos? ¿Depende de la estabilidad de la obra?Siempre he pensado en esas piezas que han llegado en buen estado hasta nuestros días y en muy pocos años se han deteriorado. ¿Por qué? ¿No habremos sido nosotros los culpables, aunque sea en cierto modo? Observando de nuevo la fotografía, pienso que quizá sea mejor no tocar una pintura mural que pasarle una rama de palmera para quitarle la suciedad, porque quizá con la suciedad la rama también arrastre película pictórica.
Qué se debe hacer o no hacer, cuándo hay que intervenir y cómo, y cuándo es mejor no hacerlo. Esa es la labor que nosotros, los restauradores, con nuestros conocimientos y nuestro criterio, debemos llevar a cabo”.

Desde noviembre de este año hasta febrero de 2012 se celebra en la National Gallery de Londres la exposición Leonardo da Vinci Painter al the court of Milan en la que se podrán admirar la Virgen de las rocas, La dama del Armiño o la Madonna Litta.

Coincidiendo con la exposición el museo londinense ha publicado el número 32 del Technical Bulletin: Leonardo, aprendiz, pintor y maestro. Como es habitual la publicación viene cargada de interesantes textos ilustrados con buenas fotografías, destacan los siguientes artículos, que se pueden descargar, dedicados a la huella de Leonardo en la obra del pintor Verrocchio, con el que se formó. El estudio y restauración de la Virgen de las Rocas, el análisis de dos tablas pertenecientes al retablo de la Inmaculada Concepción de San Francisco el Grande de Milán o la influencia de Leonardo en los artistas milaneses.

Cuando un retablo de madera, o su estructura, pierden la capacidad portante, bien por un problema de ensamblaje, anclajes o por el debilitamiento de la madera por la acción de insectos xilógfagos, se suele recurrir a la elaboración de una nueva estructura portante que sujete el retablo.

Tradicionalmente estas estructuras que se adaptan a la forma del retablo se han venido realizando en madera, pero desde hace ya bastantes años se comenzaron a utilizar estructuras metálicas (de acero o aluminio), estas estructuras tienen la ventaja de que no se ven afectadas por los insectos xilófagos ni por la humedad, al tratarse de materiales inoxidables. Como suele suceder siempre este tipo de intervención tiene partidarios y detractores, aunque el principal problema en contra de su uso es de carácter puramente estético.

El Centro de Restauración de Bienes Muebles de Cataluña ha realizado estructuras metálicas para un gran número de retablos de diferentes épocas y estilos, podéis ver muchos ejemplos en este enlace.

Restauración de pinturas murales, Palacio de Udaipur, India 2011.

Restauración de murales. Iglesia de Santa Croce, Florencia, Italia. 2007.

“Los causantes de la destrucción de las obras de arte no son tanto las guerras, el tiempo y la desidia de los hombres, sino los restauradores incontrolados y esas gentes de “buen gusto”.

Recordando esta demoledora frase de profesor Paul Coremans (Director y fundador del IRPA), termina un curioso artículo del que fue Conservador del Museo del Prado, Matías Díaz Padrón.

La historia que cuenta tiene que ver con la mutilación de un cuadro para adaptarlo a los gustos del momento y del mercado. Se trata del lienzo de Jacob Jordaens “Isaac bendiciendo a Jacob” que fue literalmente recortado y retocado, previsiblemente por un “restaurador”,  para conseguir un bodegón… pero bueno es mejor que leáis el artículo en este enlace.

Gracias a mi buen amigo Sergio por pasarme el artículo.

No hay duda; los días comienzan a ser más cortos, el calor nos da una tregua… el verano termina y tras el paréntesis estival comenzamos un nueva temporada en Luz rasante.

Durante estos dos meses de ausencia me he dedicado a dos gratificantes proyectos: en julio la coordinación de la campaña de trabajo de las prácticas de los alumnos de la Escuela Superior de Restauración de Madrid. Casi cuarenta alumn@s de segundo y tercero curso,  y un intenso mes de trabajo para restaurar el retablo mayor de la iglesia de San Juan de Tagarabuena, en Toro. Al final todo el esfuerzo mereció la pena.

En agosto otro trabajo muy interesante y enriquecedor, la restauración de unos lienzos pertenecientes a la iglesia de San Ildefonso y Santo Tomás de Villanueva en Roma. Poder trabajar durante un mes en la capital italiana y disfrutar de la ciudad ha sido un auténtico placer, aunque el  calor del ferragosto romano haya sido implacable.

Pero bueno, ya de vuelta, afrontamos el nuevo curso con energía, ilusión y con la intención de actualizar el blog en la medida que el día a día nos lo permita, sin perder nunca la curiosidad, las ganas de aprender y compartir cosas relacionadas con la restauración con las que iniciamos la andadura del blog hace ya tres años. Por cierto, en agosto nos sorprendió la noticia de la despedida de  rigatino.com uno de los blogs pioneros dedicados a la restauración, desde aquí nos sumamos al reconocimiento al trabajo desinteresado de Toni Colomina y le deseamos lo mejor en sus nuevos proyectos.

Y acogiéndonos a la máxima de que hay que “renovarse o morir” desde hace un tiempo se puede seguir a Luz rasante en twitter, un complemento al blog que intentaremos actualizar regularmente y que nos mantendrá en comunicación con museos, instituciones y restauradores de todo el mundo !A que esperáis para seguirnos! @luzrasante

“Pasar inadvertido es más difícil que llamar la atención; y conseguirlo al lado de la plaza de Cibeles, en el centro simbólico de la capital española, parece poco menos que imposible” con esta acertada frase comenzaba Luis Fernández-Galiano en 2006 un artículo publicado en El País en el que analizaba la ampliación del edificio del Banco de España proyectada por el arquitecto Rafael Moneo.

Esta obra me sirve como excusa, para poner de relieve el desencuentro que se produce entre las restauraciones de bienes muebles (pintura, escultura, etc.) y la de inmuebles.

Mientras que los restauradores ponemos un cuidado extremo (que hunde sus raíces en la teorías de Brandi y en las posteriores Cartas del Restauro) en que nuestras intervenciones sean integradas, miméticas, reversibles e inadvertidas, los arquitectos-restauradores optaron por otra vía mucho más “moderna” haciendo que las partes añadidas se evidencien, en ocasiones más de la cuenta y llegando a eclipsar a la obra original.

Para contextualizar un poco el asunto valdría con decir que tras un periodo en el que las reconstrucciones de las partes faltantes de un edificio histórico se realizaban basándose en las teorías restauradoras y reconstructoras de Violet Le-Duc, en las que se hacía una reconstrucción de estilo recreando de manera ideal el aspecto que debía de haber tenido, se ha llegado de forma progresiva, hasta el momento actual, en el que las intervenciones restauradoras se realizan en un lenguaje y materiales contemporáneos que poco tienen que ver con la obra original y en las que muchas veces la huella del arquitecto se impone a esta.

Este proceso, y sus resultados, queda bien condensado en esta frase que he leído recientemente: “Si pastiches historicistas resultaron de aquellas experiencias anteriores, pastiches modernos podrían ser los nuevos resultados, que traerían como consecuencia la defenestración del bien cultural original ante el auge del exhibicionismo y narcisismo de algunos arquitectos modernos”

Pues bien en medio de este panorama encontramos la intervención de Moneo en el Banco de España,  aquí el arquitecto ha trabajado como un restaurador, de manera discreta y silenciosa. La fachada del edificio se completó empleando los mismos materiales y estructura que la obra en la que se integra, tan sólo el caminante que se detenga a contemplar la fachada en chaflán se percatará de la diferencia entre la decoración escultórica original y la de la ampliación, en la que los motivos de dejan esbozados en la piedra a través del empleo de volúmenes afacetados.

Aunque seguro que es posible encontrarle “peros” a la ampliación, a mi me gusta, por una vez los arquitectos y los restauradores hemos trabajado empleando recursos similares. De todas formas el debate está abierto…

Una gran cantidad de conferencias, comunicaciones y pósteres para pasar un buen rato leyendo, que podéis descargar aquí.