Luz Rasante

Filacterias. La técnica de la Capilla Sixtina

Escrito por Iván el Lunes, 9 de enero del 2012 a las 21:13

“La extensión cromática de Miguel Ángel, que muchas veces se ha descrito como pintura líquida, comienza con una veladura transparente, es decir, pobre de pigmento, sobre el enlucido húmedo. Los volúmenes se consiguen con pinceladas pequeñas y tupidas , como el claroscuro de sus dibujos , y están construidos con una técnica escultórica, por que la pincelada cruzada define por grados los paisajes claroscuros como si fuera monócroma, es decir, emplea más la sombra que el color , o más concretamente el color en función de  la sombra.

Sobre la primera extensión homogénea de un rostro, Migue Ángel traza con el pincel fino y los colores más oscuros una densa red de sombras, bosquejándolas sin mezclarlas nunca. De cerca se percibe un entramado de pinceladas como hecho con lápiz. Así la superficie del enlucido sólo se satura lo necesario y queda limpia, sin cuerpo, brillante como la porcelana. Garantiza también este efecto la utilización de pigmentos puros, muy poco mezclados o superpuestos en capas sucesivas. El resultado es una luminosidad difusa que parece proceder del interior de las figuras”

Antonio Forcellino. Miguel Ángel, una vida inquieta.

Comentarios (313)

Categoria: Filacterias,Pintura,Técnicas artísticas

Filacterias. Colores en el taller

Escrito por Iván el Lunes, 14 de marzo del 2011 a las 21:34

” Tomaba un pincel para probar su suavidad pasándose por el dorso de la mano el mechón rubio de ardilla siberiana. Levantaba la cubierta de piel que cerraba los tarros de vidrio llenos de pigmentos de colores, conteniendo la respiración para que no saliesen volando. Los agitaba un poco, los devolvía a su sitio y los alineaba en el anaquel según la gradación de color y la valía. Primero el blanco de San Giovanni, que se obtiene del pulverizado del carbonato cálcico secado después de lavar durante ocho días la cal en la fuente. Luego la tierra de Siena, la oscura, la natural y la tostada, extraídas del cerro que rodea la ciudad gibelina. Y la tierra sanguina de Sinope, en el Mar Negro, buena para dibujar tanto en los muros como sobre tabla. Y el celeste vivo del esmalte triturado y el verde musgo del verdigrís, que se obtiene rascando una lámina de cobre previamente sumergida varios días en la orina de un recién nacido (…). Agitó con la mano la caja de cinabrio, que se obtiene fundiendo azufre y mercurio en una redoma, para admirar el ondulante polvo rojo semejante a un desierto agitado por un vendaval.  Era perfecto, sin matices, rojo como el lino teñido de sangre. Luego miró de lejos el amarillo dorado, sulfuro de arsénico, bello como el oro, pero venenoso como el mordisco de una vívora. ” Cuidad de no untaros la boca, no os vaya a sentar mal”, aconsejaba Cennino Cennini.

La laca de cochinilla, color geranio, obtenida machacando insectos de las Indias de los elefantes, era líquida y destacaba en un vaso de vidrio transparente. Valía una fortuna, aunque no tanto como el precioso azul ultramarino, producto de triturar el lapislázuli de unas tierras remotas situadas, como indica su nombre más allá del mar conocido. Era el pigmento más caro, casi siempre adquirido directamente por el cliente, igual que el oro en panes. Pero ¿que manto y qué cielo podían decirse luminosos sin la gema oriental que poseía la profundidad del espíritu? “

Antonio Forcellino, Rafael una vida feliz

Comentarios (156)

Categoria: Filacterias,Materiales,Pintura,Técnicas artísticas

Para leer un rato: pintura sobre tabla y marcos

Escrito por Iván el Jueves, 6 de enero del 2011 a las 21:37

Las próximas semanas estaremos de viaje, así que me temo que durante este mes me será difícil actualizar Luz rasante, mientras tanto os dejo los enlaces de dos publicaciones del Ministerio de Cultura que están disponibles en pdf para poderlas leer de forma completa.

La primera recomendación es un interesante libro dedicado a un elemento que siempre acompaña a la pintura y al que en muchas ocasiones no se ha prestado la atención que merece El marco en España: historia, conservación y restauración.

La otra publicación es La pintura europea sobre tabla. Siglos XV, XVI y XVII se trata de las actas del curso organizado por el grupo de retablos del GEIIC en el Museo de Bellas Artes San Pío V de Valencia en 2006.

Comentarios (175)

Categoria: Internet y restauración,Intervenciones,Materiales,Pintura,Restauración,Técnicas artísticas,Técnicas de restauración

“Lo sagrado hecho real” en Valladolid

Escrito por Iván el Sábado, 21 de agosto del 2010 a las 18:36

Tras un largo letargo veraniego Luz rasante comienza a desperezarse, vamos allá…

Durante estos días, y hasta el 30 de septiembre se puede visitar en el Museo Colegio de San Gregorio de Valladolid la exposición Lo sagrado hecho real. Pintura y escultura española 1600-1700. Esta muestra, dedicada a los pintores y escultores barrocos españoles, viene precedida por un importante éxito en Estados Unidos y Gran Bretaña,  ya que se ha podido ver en la National Gallery de Londres y la National Gallery of Art de Washington.

Aunque en su último periplo la exposición ha perdido fuerza y está un tanto mermada (basta comparar el catálogo de obras de Londres con las de Valladolid)  bien vale una visita; muchas obras impresionantes y un buen montaje.

Además en la última de las salas, en las que se muestran libros y material didáctico, se proyectan dos videos: uno dedicado a los “pasos” de Semana Santa que custodia el museo y otro (el que os ofrecemos a continuación) sobre las técnicas con las que se elaboraban estas obras maestras. En video, realizado por la Fundación Getty, se siguen las técnicas tradicionales de talla, dorado, estofado y pintura. Aunque la locución está en inglés merece la pena… por cierto ¡que fáciles parecen las cosas cuando se sabe hacerlas!

[youtube 9Wb-T1F033Q]

Comentarios (211)

Categoria: Actualidad,Castilla y León,Escultura,Exposiciones,Museos,Restauración,Técnicas artísticas

Feliz Navidad 2009

Escrito por Iván el Martes, 22 de diciembre del 2009 a las 20:03

Rosetón. Catedral Palma de Mallorca. Foto de Tonialon en www.flikr.es

Cada año, en estas fechas y coincidiendo con el solsticio de invierno, debido a la peculiar orientación de la Catedral de Palma de Mallorca,  poco tiempo después de la salida el sol, este se filtra por el rosetón situado sobre el altar  mayor y atravesando toda la nave central de la catedral por su interior, sale por el rosetón de la fachada Oeste produciendo un espectacular efecto luminoso.

En la antigüedad existía la creencia de que el sol nacía el 21 de diciembre, para crecer en horas hasta el 21 de Junio, una tradición pagana adoptada por los cristianos para celebrar el nacimiento de Cristo.

En Luz rasante aprovechamos esta espectacular imagen  para desearos una feliz Navidad y que la luz inunde vuestas vidas en el año que comienza.

Comentarios (201)

Categoria: Actualidad,Cajón de restaurador,Técnicas artísticas,Vidrieras

Retablos: técnicas, materiales y procedimientos

Escrito por Iván el Domingo, 13 de septiembre del 2009 a las 15:30

Retablos:técnicas y materiales. Crédito:GEIICCuando las publicaciones del Grupo Español del I.I.IC  se agotan suelen colgarlas en su página web, así desde hace unos meses se pueden descargar de manera libre las actas del congreso Retablos: técnicas, materiales y conocimientos que se celebró en Noviembre de 2004 en Valencia.

Las ponencias se centraron sobre todo en aspectos técnicos presentes en la realización de retablos (ensamblajes, estructuras, policromías, dorados…)  y en el estudio de tipologías y ejemplos de retablos de la zona de Valencia, Aragón, Cataluña y Mallorca.

Comentarios (328)

Categoria: Internet y restauración,Restauración,Retablos,Técnicas artísticas

Las imágenes de Olot, el Arte Cristiano

Escrito por Iván el Lunes, 12 de enero del 2009 a las 22:32

Museo de los Santos .Olot. Foto: www.museusants.com

Recientemente, en una  fría mañana de este duro invierno, mientras visitábamos la iglesia de un pequeño pueblo castellano para recoger unas piezas que debíamos restaurar, reparamos en una gran acumulación de esculturas en la sacristía del templo. Cuando preguntamos por ellas al párroco, respondió con cierto desprecio “esas no valen nada, son de Olot”.

Cuando alguien dentro de este mundillo, se refiere a una escultura diciendo que es de Olot, quiere dar a entender (o eso me parece a mi) que se trata de una escultura realizada en yeso, de poca antigüedad, con una estética popular y de escaso valor artístico. A este tipo de imágenes religiosas se las denomina “de Olot” recurriendo a una suerte de metonimia, ya que en este pueblo gerundense es donde se gestaron la mayoría de ellas.

Tirando un poco del hilo me entero de varias cosas interesantes:

A finales del siglo XIX se vivió un periodo de recuperación religiosa, que hizo que la iconografía estuviera muy arraigada a la cultura occidental en general y a la catalana en particular, además Olot contaba con una Escuela Pública de Dibujo en la que se forman gran cantidad de jóvenes artistas.  Los impulsores de la primera fábrica de imaginería religiosa (El Arte Cristiano) aprovecharon estas circunstancias y crearon una industria, en aquellos momentos novedosa y próspera, que a principios del siglo XX llegaría a tener 20 talleres en la localidad.

Los antiguos Talleres de El Arte Cristiano en su época de esplendor. Foto:www.elartecristiano.com

Se desarrolló un sistema de producción “en cadena” en el que un artista realizaba un original en barro del que se sacaban unos moldes que servían para reproducir la imagen. El material que se empleaba para la realización de las esculturas se denominaba pasta de cartón madera (en 1887, a partir de un decreto eclesiástico, este producto podía bendecirse) y el trabajo estaba muy bien organizado hasta tal punto que existían expertos en moldes, en retoque, en dar bases de color, poner ojos de cristal…

Durante los años de esplendor de esta industria se generaron una cantidad inmensa de modelos iconográficos y de imágenes religiosas que se extendieron por toda la geografía española, sus modelos originales se custodian en los almacenes de la empresa y están disponibles hoy en día para realizar una copia si un cliente lo desea.

En la actualidad los talleres de El Arte Cristiano siguen funcionando, el modo en el que realizan sus esculturas no ha variado en lo esencial y aunque corren malos tiempos para la imaginería religiosa, siguen produciendo imágenes que tienen su  mercado principal en Estados Unidos, Canadá, Italia y Portugal. Además siguen buscando nuevas y originales formas de negocio y el ayuntamiento de Olot ha puesto en marcha el Museo de los Santos en la antigua sede de la empresa.

Entre los artistas que trabajaron realizando modelos en barro destacan nombres como Llimona, Blay, Atché, Vallmitjana entre otros, así que quién sabe si alguna de las estatuas que descansaban en aquella sacristía podría haber salido de los moldes realizados sobre los modelos de estos artistas del modernismo catalán

Para aquellos que tengan algo de curiosidad, y de tiempo, recomiendo que se pasen por la página de El Arte Cristiano, la verdad es que está llena de curiosidades e imágenes muy interesantes.

Para aquellos que tengan interés en el proceso técnico de fabricación de las imágenes, y algo más  de tiempo, aquí van estos vídeos

 

Comentarios (373)

Categoria: Cajón de restaurador,Escultura,Técnicas artísticas

El retablo. Terminología básica ilustrada

Escrito por Iván el Lunes, 5 de enero del 2009 a las 16:13

El retablo. Terminología básica ilustrada

Hace unos años encontrar información en Internet sobre restauración y conservación era una tarea ardua y, si se conseguía llegar a buen puerto, con resultados de dudosa fiabilidad. Afortunadamente esto va cambiando poco a poco y hoy es posible encontrar páginas Web sobre restauración de muy buena calidad.

Para intentar recopilar las mejores, abrimos hoy esta sección con  El retablo. Terminología básica ilustrada. Esta página es resultado de la colaboración entre el Instituto de Restauración Getty y el Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico. Tiene un diseño muy atractivo y está repleta de información y fotografías muy interesantes, de entre sus muchas opciones destaca el apartado dedicado a la búsqueda de términos relacionados con los retablos y sus sistemas constructivos.

Merece la pena pasar un rato navegando por sus múltiples opciones. 

Comentarios (212)

Categoria: Internet y restauración,Materiales,Restauración,Retablos,Técnicas artísticas

La pintura al fresco. Sinopia y cartones.

Escrito por Iván el Lunes, 6 de octubre del 2008 a las 21:13

Proceso de realización de un fresco. En la parte derecha se aprecia la sinopia que se irá cubriendo con el enlucido de cada jornada. Foto: www.gsinai.comPara continuar la anotación de la semana pasada sobre la técnica de la pintura al fresco, hablaré hoy de la realización de los bocetos y dibujos preparatorios y de los métodos para transponer estos al muro. Al igual que hice con las capas de preparación, trataré el tema de una forma general, aunque la pintura al fresco sea un tema muy amplio y complejo (se lleva pintando de esta manera desde la época clásica) .  En lo fundamental la técnica es siempre la misma, pero podemos encontrar multitud de matices y “formas de hacer” que variarán en función de la época, lugar, escuela artística o pintor.

La pintura mural, y más si es de gran tamaño, requiere la realización previa de multitud de dibujos y bocetos en los que se va dando forma a la obra y en los que se tienen que solventar importantes problemas como la perspectiva desde la que se observará el mural o las deformaciones ópticas que se pueden producir por la irregularidad del soporte (en muchas ocasiones se pintaba sobre cúpulas o bóvedas, lo que hace que el trabajo sea más complicado).

Detalle de una pintura en la que es posible ver el punteado utilizado para pasar el dibujo del cartón al muro. Se ve sobre todo en la oreja y el cuello de la chaqueta. Detalle de los frescos de Piero della Francesca en la iglesia de San Francisco de Arezzo.Aunque se realicen bocetos de cada figura, se debe de hacer uno general en el que aparezcan todos los elementos de la pintura. Una vez finalizada, esta composición de la totalidad de la obra se cuadricula. Esta división en módulos cuadrados facilita la ampliación del dibujo para realizar el paso de un boceto al tamaño definitivo de la obra, a este dibujo se le denomina cartón por el soporte sobre el que se realiza (a partir del Renacimiento los costes de producción del cartón se abaratan y su uso es habitual). Los cartones facilitan el traspaso del dibujo al muroy se podían utilizar dos veces en una misma obra, una para realizar la sinopia sobre el arriccio y otra para el dibujo  definitivo sobre el intonaco.

Introducimos de esta manera un nuevo concepto, el de la sinopia. En el Renacimiento, con el sistema de trabajo por jornadas, se populariza entre los pintores el empleo de este elemento. Consiste en la realización de un dibujo previo o preparatorio sobre el penúltimo enlucido(el revoco o arriccio) con un color rojizo denominado ocre de Sinope (una localidad cercana al Mar Negro, de la que procedía el color y de la que toma el nombre), como esta capa de enlucido lleva otra encima (el intonaco)  que se aplicaba por jornadas, la sinopia se iba tapando a medida que avanzaba la obra. La sinopia podría parecer, a priori, un trabajo inútil, pero era de gran ayuda como guía de la composición, para corregir errores del boceto y para determinar las partes (jornadas) en las que trabajar cada día.

La sinopia se podía realizar a mano alzada, con la ayuda de las cuadrículas o calcando el dibujo de los cartones.

Para pasar los dibujos de los cartones al muro existían dos sistemas:

El primero consistía en perforar todo el contorno de los dibujos con un punzón, luego los cartones se situaban sobre el muro y se golpeaba sobre los agujeros con un saquito lleno de hollín o pigmento en polvo, de esta manera el polvillo penetraba por los agujeros y marcaba en el muro las líneas del dibujo. A este sistema se le denomina estarcido o spolvero en italiano.

El segundo método consistía en colocar el cartón (no muy grueso) sobre el enlucido aún blando y repasar los bordes con un objeto puntiagudo, como la parte de atrás de un pincel, de esta manera el dibujo quedaba inciso en el muro. 

El empleo de estos sistemas facilitaba el trabajo de los artistas, pero no resta nada de dificultad a una técnica que, como escribía Delacroix,  genera una tensión para tener y hacer todo a punto que produce una excitación en el espíritu que contrasta con la pereza que inspira la pintura al óleo.

Comentarios (292)

Categoria: Pintura,Restauración,Técnicas artísticas

¿Qué es luz rasante?

La luz rasante es un sencillo método de examen para el análisis de las obras de arte. Es tan simple como situar un foco de luz de manera que ilumine la obra desde un ángulo lateral casi en paralelo con su superficie. Gracias a la luz rasante es posible apreciar detalles de la pieza que a simple vista pasaban desapercibidos. Algo parecido es lo que propone este blog. Poner de relieve y analizar de una forma sencilla temas relacionados con el arte el patrimonio, su conservación y su restauración.